lunes, 8 de junio de 2026

Texturas textiles

 ¿Qué es un textil?

Etimológicamente el vocablo textil proviene del latín "textilis" que a su vez deriva de "texere" que significa tejer.

Todas las telas que usan como materia prima fibras entramadas, tejidas o  unidas, reciben el nombre de textiles.

Los textiles tienen diferentes tipos de tratamientos y acabados y de ello depende la utilización en un rubro u otro. Los textiles pueden ser planos o tejidos.

Los textiles planos no tiene rebote ni se estiran  por la  naturaleza del tejido,  aunque  hoy en día existen algunos materiales que los hacen más flexibles y elásticos .

Los textiles de tejido de punto por lo general se estiran y son elastizados, igualmente algunos tejidos actuales no tienen rebote pero sí flexibilidad y  otras propiedades que se introducen con las técnicas de tejido de las máquinas actuales que año a año van evolucionando y actualizando en cuanto a diseño y tecnología. 

¿Qué es una textura?

La textura trata de una propiedad que es captada a través del sentido del tacto. La suavidad, la aspereza y la rugosidad son sensaciones que transmite la textura. 

Como diseñadores de moda la vamos a sumergirnos en el discurso de "texturar" o crear texturas.

Cuando nos disponemos a diseñar y obtener tus propias texturas le estamos dando un valor agregado a la lámina textil, la cuál es muy apreciada por los consumidores de moda.

Una textura posee la riqueza estilística de quien la diseña.

Posee una carga artística personal debido a que es única ya que se construye desde uno mismo. El espectador muchas veces compra una prenda por el valor agregado en la lámina textil.

¿Cuántas veces miramos las prendas lisas y preferimos algo que tenga textura?, por lo general la prenda con texturas es muy consumida por los seguidores que buscan  un diseño diferente, un diseño de autor. 

“Es ahí en donde vamos a experimentar en el plano de la textura”

Los diseñadores trabajan con variedad de texturas según su estilo. Algunos trabajan con textiles con mayor carga visual, como estampas y estampados; y otros con textiles con cierto volumen como tejidos, plisados, pliegues, etc.

Para empezar a diseñar vamos a introducirnos en el mundo de las texturas visuales y táctiles.

Las texturas visuales. 

Este tipo de texturas posee un discurso visual con algún tipo de dibujo o estampa, ya sea un dibujo de manera accidental, un dibujo representado de manera figurativa o tecnológica.

LAS TEXTURAS VISUALES SE DIVIDEN EN:

  • TEXTURAS VISUALES DECORATIVAS
  • TEXTURAS VISUALES MECÁNICAS
  • TEXTURAS VISUALES ESPONTANEAS

TEXTURAS VISUALES DECORATIVAS

La forma del dibujo a la vista es una decoración pura se ve nítida y figurativa, nada abstracto ni insinuado puede tener dibujos precisos, discursos alfabéticos y numéricos.





TEXTURAS VISUALES ESPONTANEAS

No existe una forma de dibujo precisa. Se arma una composición a través de manchas, salpicados, pinceladas, teñidos tipo batik.







TEXTURAS VISUALES MECÁNICAS

Poseen procesos tecnológicos, se utiliza maquinaria de por medio. Los tipos más comunes son el transfer, la sublimación artesanal o por plotter y la serigrafía.

Este tipo de texturas pueden ser decorativas o espontáneas.




Texturas táctiles. 

Estas texturas tienen un relieve al tacto. Las texturas se caracteriza por no poseer estampas, pero su superficie puede estar lisa, alterada o construida.

LAS TEXTURAS TACTILES SE DIVIDEN EN:

  • TEXTURAS TÁCTILES NATURALES ACSESIBLES
  • TEXTURAS TÁCTILES MODIFICADAS
  • TEXTURAS TÁCTILES ORGANIZADAS




TEXTURAS TÁCTILES NATURALES ACSESIBLES

Son las telas tal cual las saca la industria al mercado; no poseen ningún tipo de

tratamiento más que el industrial por tintorería o grabado a rodillo.










TEXTURAS TÁCTILES MODIFICADAS

Estas superficies textiles se alteran o se modifica en su base, se utilizan recursos de tensiones aditivas o
estructurales.
La textura está intervenida ya sea por objetos o por pliegues. Van desde lo simple a lo complejo. 











TEXTURAS TÁCTILES ORGANIZADAS

Cintas, tiras o retazos de tela que construyen una superficie. Hilos que se tejen conformando una textura.











Vale la pena comenzar a  diseñar y practicarse en construir texturas que hagan únicos a nuestros diseños. 


Inspiración de la moda en el arte/ la influencia Mondrian

Piet Mondrian (nacido como Pieter Cornelis Mondriaan; Amersfoort, 7 de marzo de 1872-fallecido en Nueva York, 1 de febrero de 1944) fue un pintor vanguardista neerlandés.
Fue miembro de la corriente De Stijl y fundador del neoplasticismo, junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción, de la cual es el principal representante inaugural junto a los rusos Vasili Kandinski y Kazimir Malévich. (1)



Foto de Rogi André, Piet Mondrian, 1937.  Imagen digital  © CNAC/MNAM
, Dist. RMN-Gran Palacio de las Artes /Art Resource, New York

El vestido Mondrian es un vestido de cóctel corto y recto, creado por el modisto francés Yves Saint Laurent cuatro años después de la fundación de su propia casa de moda. La prenda muestra impresiones inspiradas en las obras abstractas del neerlandés Piet Mondrian, a cuyas líneas simples se remite. Se lo considera uno de los símbolos de la moda de los años 1960.(2)

Yves Henri Saint Laurent, incursionó a muy corta edad en el mundo de la alta moda, se convirtió en aprendiz y asistente de Christian Dior en 1954 cuando recién tenía 17 años de edad, y no tardó mucho en volverse el sucesor de su mentor, pues tan solo 3 años después, Yves ascendió como director de la firma Dior, cargo que le fue asignado por el mismo Chstian Dior antes de su lamentable fallecimiento en 1957. En 1961  fundó su propia firma y marcó en conjunto con su pareja amorosa y socio, Pierre Bergé, la bautizó con su propio nombre, Yves Saint Laurent, cuyo logo es representado por las siglas YSL.
En búsqueda de una propuesta atrevida y moderna, Saint Laurent plasmó en una colección de vestidos de cóctel de silueta recta las obras del vanguardista pintor Piet Mondrian, rindiendo homenaje a su legado. (2)
Ena Naunton, “MONDRIAN,” The Miami Herald Part II, October 31, 1965, 19E.
© 1965 McClatchy. All rights reserved. Used under license


En 1965, cuando diseñó este vestido, Saint Laurent estaba al comienzo de su carrera. Decidió aplicar el neoplasticismo de Mondrian a un diseño minimalista típico de su época. 

No era la primera vez que la moda recurría a Mondrian- en los años 30, Lola Prusac, diseñadora de Hermès, ya se había inspirado en él para un bolso.  Fue en esa época cuando entabló amistad con el artista y convenció a Èmile Hermès para crear una línea de bolsos y maletas inspiradas en su obra. Así, la firma introdujo los famosos motivos geométricos en cuero rojo, azul y amarillo en piezas para equipaje o en pañuelos de seda, creando la primera tendencia que, posteriormente, recogerían Yves Sain Laurent o Cèline.(3)

La diseñadora franco-polaca fundó en 1936 su propia casa de moda,  especializada en prendas "sport-tricot " (prendas de punto informales). Lola falleció en 1965 pero su legado sigue siendo conservado por la casa de moda que ella creó. Prusac debería ser recordada porque su aporte al mundo de la moda fue invaluable, sus diseños revolucionarios, más allá del Birkin, no solo reforzaron el vínculo inseparable entre el arte y la moda, sino que, además en una sociedad donde se exigía elegancia y estándares específicos sobre la forma de vestir de las mujeres, ella decidió dar un paso al costado y crear ropa cómoda que satisficiera más que simples cánones visuales.
Con el tiempo  su casa fue integrando ropa y accesorios hasta llegar al presente, donde  la Casa Lola Prusac,  se dedica a Bolsas, Pequeños artículos de cuero, Joyas, Fragancias y Accesorios, entre otros, reviviendo algunos modelos del pasado  inspiradas en aquellos de los años 30- (3a)
La cartera Kristina ( colección actual)

La cartera Kristina con bloques de color complementa el bolso Kristina Satchel, confeccionada con una combinación de suave piel napa italiana y lana 100% tejida en Escocia. Cuenta con 12 ranuras para tarjetas de crédito, 2 compartimentos abiertos y un bolsillo interior con cremallera. Herrajes color plomo con cierre magnético. Incluye bolsa guardapolvo. Cada cartera está tejida y cosida a mano; tenga en cuenta que su elaboración puede requerir tiempo adicional. (Valor de venta $US1500) (4)


Sin embargo, Yves Saint Laurent fue más allá y lo convirtió en un símbolo del cruce entre el arte y la moda. ¿Cómo lo logró este veinteañero nervioso? En primer lugar no se limitó a copiar la composición de Mondrian en una tela que luego cortaría. El vestido Mondrian es una pieza de Alta Costura elaborada en punto teñido en tres colores primarios diferentes que luego se montarían de tal manera que las costuras no quedaban a la vista. Esa pieza que parece tan sencilla no lo es. Exigía una técnica exquisita y un conocimiento, extremo, del medio . Con esta pieza Saint Laurent demostró que la Alta Costura no requería plumas ni bordados para serlo. El Mondrian Dress, también fue pionero en usar colores primarios en el seno de una casa de costura francesa. El modisto ya había experimentado con ellos cuando estaba en Dior, pero hasta que no fue dueño de su marca no lo llevo al extremo. (7)

La casa  Alexander McQueen, también recurrió a Mondrian en unas bailarinas que  diseñó en 2013 a través de Sara Burton. Alexander McQueen (1969-2010) Diseñador  inglés. Conocido por trabajar como diseñador jefe en Givenchy desde 1996 a 2001, después para Gucci y por fundar su propio sello, Alexander McQueen en 1997. (5)
Las bailarinas o balerinas  "Mondrian" de Alexander McQueen son una rara y codiciada pieza de coleccionista. Lanzadas como parte de su colección Primavera/Verano 2013 (bajo la dirección creativa de Sarah Burton), estas zapatillas trasladaron el arte del neoplasticismo de Piet Mondrian directamente al calzado. 
Sarah Jane Burton, es una diseñadora de moda británica nacida en 1974. Desde 1997 hasta 2023 trabajó en la casa de moda Alexander McQueen, siendo desde el año 2010 hasta su salida la directora creativa de la marca. Actualmente es la directora creativa de Givenchy. (6) 


Ballerina Mondrain (2013) de la casa Alexander McQueen (Sara Burton)



Sarah Burton, directora creativa de la marca Alexander McQueen
entre 2010 y 2023, diseñadora de la ballerina Mondrain



Yves Saint Laurent en los salones de la Casa de Alta Costura, 
Calle Spontini 30 bis, Paris, 1971©Derechos reservados


El segundo rasgo que convierte al vestido en tótem tiene que ver con el corte. Esta pieza sin mangas, recto y sin corte en la cadera anunciaba el futuro. Aunque era un tipo de silueta común en los 60 normalmente se usaba como lienzo para añadir adornos: en este caso el corte lo es todo. Era una construcción modernista. Pero pese a la complejidad técnica el vestido no olvida lo que es: una prenda de vestir. El Mondrian funciona a favor del cuerpo, no de manera independiente. El vestido Mondrian sacudió el mundo de la moda porque, aunque usaba el Arte en su beneficio, no dejaba de ser Moda. (7)

Desde el Mondrian las colaboraciones entre Arte y Moda se convirtieron en un recurso común que dura hasta hoy. El Pop Art fue un movimiento contemporáneo que, en seguida, saltó a la tiendas y los editoriales de moda. El mismo Saint Laurent recurriría a este movimiento en distintas colecciones como también lo hizo con Van Gogh o Braque. Lo que hizo Saint Laurent, y por lo que generó un tótem, fue integrar de verdad las dos disciplinas.(7)

Portada Vogue Paris, Septiembre de 1965, 
Foto: David Bailey. Fuente:
Vogue Paris


Pronto el vestido se convirtió en un objeto popular. Su consagración llegó con la portada de Vogue Paris en septiembre de 1965 y por sus muchas copias e imitaciones. Quien se resistía a inspirarse en una pieza en apariencia sencilla y tan vistosa. Hasta Barbie tuvo su vestido Mondrian. Sin embargo, todos los que se veían por las calles eran falsos, porque se cosieron solo ocho piezas. Hay un vestido Mondrian excepcional: lo realizó a medida Yves Saint Laurent para una de sus benefactoras, Mrs. Rosemary Daly. Ella lo quería con manga larga y el modisto se lo cosió así. El vestido, que terminó siendo propiedad de un señor de Omaha, Terry Beavers, se subastó hace pocos años alcanzando un precio de 27720 dólares.(7)

Actualmente podemos encontrar los vestidos Mondrian originales de Yves Saint Laurent exhibidos en museos alrededor del mundo, tales como el: Rijks en Amsterdam, el Victoria & Albert en Londres, el Metropolitan Museum of Art en Nueva York y en el museo Yves Saint Laurent en París.

Sin duda, los vestidos Mondrian de Yves Saint Lurent, marcaron la historia de la moda y la carrera del diseñador al plasmar su gran pasión por el arte en una pieza icónica, con la que dejó clara la sensibilidad artística de la época. (8)
(3) https://bambaeditorial.com/lola-prusac-mucho-mas-que-el-alma-de-hermes/ 
(4) https://lolaprusac.com/products/kristina-wallet-in-orange-gray
(5) https://profeanacob.wordpress.com/tag/alexander-mcqueen/
(6) https://es.wikipedia.org/wiki/Sarah_Burton
(8) https://yourfashiondose.wixsite.com/yfdblog/post/yves-saint-laurent-mondrian

lunes, 15 de septiembre de 2025

Diseñar en rapport I( del libro Principios básicos del diseño textil)

 Diseñar en Rapport

Extraído del libro Principios básicos del diseño textil, de Alex Russell

Diseño en rapportado alineado (Principios básicos del diseño textil, de Alex Russell)

Existen varios métodos para crear diseños definitivos. Con los años, la mayoría de los profesionales desarrollan una gama de procesos propios, a menudo refinando su técnica diseño tras diseño. En definitiva, el modo de llegar a ser bueno en esto es hacerlo muchas veces, aunque algunos trucos nos pueden ayudar a controla mejor el proceso y en esta sección veremos algunos de ellos.

Un diseño textil definitivo debe satisfacer varias necesidades, empezando por presentar un buen aspecto y responder visualmente a los requerimientos del brief.  Asociado a esto, debe ser atractivo para el consumidor. Además, ser posible de estampar y en un número determinado  de colores si así lo desea nuestro cliente. Ser funcional para su uso, es decir, con la medida y las proporciones adecuadas al producto final.

Los profesionales deben hallar el equilibrio entre todos estos aspectos. Incluso cuando creamos diseños a los que aún no se ha asignado un cliente, tener una idea de todas estas necesidades ayudará a hacerlos más vendibles.

Acabado digital de diseños

La tecnología ha ejercido un gran impacto en los métodos de trabajo de los diseñadores. La velocidad y la facilidad para editar imágenes aumentan significativamente con el uso de los ordenadores, aunque sea necesario dedicar un buen número de horas a aprender a utilizar el software para sacarle partido realmente. Desde el punto de vista del diseño de estampados textiles, una de las funciones más útiles de la edición de imágenes es la posibilidad de trabajar partes del diseño de modo aislado, sin que afecte al resto del diseño. Por ejemplo, usar las capas de Adobe”Photoshop* nos permite editar los diferentes motivos de modo independiente, sin que cambie el resto del diseño.

Diseños rapportados y diseños posicionales

La estampación consiste, básicamente, en transmitir la misma imagen repetidamente. Dicha imagen puede ser una sola colocada una sola vez sobre cada uno de los ejemplares de un mismo objeto, como en el caso de las camisetas, o cubrir un área muy extensa repitiéndose según un patrón, elcaso de un rollo de papel de pared. Este patrón de repetición se conoce con el nombre de rapportado y ha sido el eje central del diseño textil durante la mayor parte de su historia. 

En esta sección veremos  con la que serán estampados, salvo que se indique lo contrario. Si, por ejemplo, estamos trabajando digitalmente en un diseño de 32 cm x 32 cm, esta  es la medida que deberá tener el diseño una vez impreso. La resolución también es importante para aquellos diseños generados mediante ordenador.

A no ser que se indique lo contrario es aconsejable trabajar a 300 dpi. algunos de los métodos básicos para crear diseños bien rapportados, así como diversas técnicas que usan los diseñadores.

Rapportado y distribución para diferentes mercados

La mayoría de los diseños creados para el sector de la moda, especialmente cuando no son obra de la empresa que los va a usar, no suelen presentarse con un rapportado definido y resuelto al milímetro, preparado para entrar en producción, sino que simplemente lo sugieren. Esto, añadido al hecho de ser diseños más bien pequeños, explica por qué suelen venderse a precios más bajos que los diseños realizados para el mercado de decoración y tapicería, que suelen presentarse completamente rapportados. 

Si vamos a trabajar en el mercado de decoración de interiores y hogar, se dará por supuesto que somos capaces de realizarlos.


Diseñar en rapport

Un buen rapportado se reconoce a menudo como un diseño equilibrado, es decir, sin un elemento que destaque, ni espacios vacíos entre elementos. 

Y mejor se considera cuanto más cuesta localizar la repetición. Con respecto al proceso, es difícil generalizar, ya que cada diseño es diferente, aunque es común que se intente disimular el rapport con el mencionado equilibrio —es decir, evitando la preponderancia de un motivo o los espacios vacíos entre ellos—. Si un motivo destaca al ojo humano detecta antes la estructura del  Tapportado que la imagen que acoge el diseño.

Diseñar en rapport puede simplificarse si comprendemos algunos principios y estructuras, pero el mejor modo de dominar la técnica consiste : en crear un diseño físicamente y mover con la vista los diferentes elementos que lo componen.

Resulta importante evitar los movimientos verticales y horizontales, que resultan obvios (el ojo humano los detecta fácilmente) y, en los diseños de varios elementos, asegurarse deque ningún motivo resalta sobre los demás.

Al igual que con casi todas las técnicas de diseño, el mejor método para mejorar es la práctica, si bien mezclada con una constante actitud intuitiva acerca de lo que ocurre frente a nosotros.

Los siguientes consejos nos ayudarán a trabajar en rapport, aunque debemos estar preparados para abandonar cualquier regla si creemos que el diseño queda mejor sin ellas.

Consejo:

Acostúmbrate a intentar localizar el rapport,

siempre que veas un nuevo diseño, o si estás

 de compras, por ejemplo. Observa los tejidos

estampados e intenta hallar la secuencia de

repetición, así como sus dimensiones. 

Fíjate en un motivo del diseño y continúa mirando

hacia abajo el tejido o la superficie de la que

se trate hasta que localices el mismo motivo

repitiéndose. Haz lo mismo en sentido lateral.


En siguientes post iremos agregando detalles de esta técnica de diseño desde este libro, otros o la experiencia personal.

El Doodle Art en el diseño textil

El Doodle Art es una técnica de ilustración que consiste en llenar una superficie (como una hoja de papel) con pequeños dibujos, garabatos, patrones y figuras, a menudo sin un boceto previo, para crear composiciones intrincadas y significativas. Aunque se inspira en los garabatos espontáneos, el doodle art los transforma en obras de arte únicas y expresivas, utilizando elementos como personajes de cómics, seres ficticios, texturas, letras y patrones geométricos.

doodle art , dibujos de garabatos ( imagen de Pinterest)



Bordado siguiendo la inspiración ( imagen de Pinterest)

Doodle art sobre tejido de punto. 






Características principales:
  • Espontaneidad:
Se genera a partir de trazos y garabatos espontáneos, permitiendo que el subconsciente del artista fluya libremente.
  • Relleno de superficie:
El objetivo es llenar toda la hoja o soporte con dibujos pequeños y aglomerados.
  • Variedad de elementos:
Se pueden incluir una amplia gama de elementos como personajes, paisajes, patrones geométricos, texturas y letras.
  • Sin boceto previo:
A menudo se realiza sin un plan o boceto detallado, dando como resultado obras únicas y originales.

 

¿Qué es un doodle?


Hoy en día la palabra "doodle" ( del inglés)  significa literalmente "garabatear" o "pequeño dibujo" . Así que, en realidad, es simplemente otro término para decir "dibujar". La principal diferencia es que cuando garabateas, nunca planeas lo que dibujarás; mas bien, garabateas distraídamente creando pequeños dibujos. (1)

Por lo tanto, un doodle es un dibujo que se realiza mientras la atención de una persona está ocupada. Los doodles, son dibujos simples que pueden tener un significado representativo concreto o simplemente estar compuestos de líneas o formas aleatorias y abstractas , generalmente sin levantar el dispositivo de dibujo del papel; en este caso, se les suele llamar garabatos .(2)

Los garabatos y los garabatos se asocian con mayor frecuencia a niños pequeños y de corta edad , debido a su falta de coordinación ojo-mano y su menor desarrollo mental, que a menudo dificultan que los niños pequeños mantengan sus intentos de colorear dentro del dibujo lineal del tema. A pesar de esto, no es raro ver este comportamiento en adultos, en cuyo caso generalmente se realiza con alegría, por aburrimiento. Ejemplos típicos de garabatos se encuentran en los cuadernos escolares, a menudo en los márgenes, dibujados por estudiantes que sueñan despiertos o pierden el interés durante la clase.  Otros ejemplos comunes de garabatos se producen durante largas conversaciones telefónicas si se dispone de bolígrafo y papel. (2)

Google implementó los doodles, como logotipos interactivos que cambian en su página principal  para conmemorar eventos importantes, festividades o figuras relevantes. Los vemos en los días patrios, en los aniversarios de la empresa o al comienzo de las estaciones. Dibujos divertidos y coloridos que llaman la atención. 
El primer Doodle  de Google, fue creado por sus fundadores en 1998, más exactamente el 30 de agosto, para anunciar su asistencia al festival Burning Man y  desde ahí los usaban con asiduidad,  para avisar que estaban fuera de la oficina. 
Primer doodle de Google


Origen del término

La palabra doodle parece haber surgido por primera vez en el siglo xvii para calificar a alguien como `simple` o ‘bobo’. Quizá se deriva del alemán Dudeltopf o Dudeldop, que significan tonto o, más literalmente, fideo.

El significado tonto se utiliza en el título de la canción Yankee Doodle, originalmente cantada por las tropas coloniales británicas antes de la guerra revolucionaria americana. El origen del verbo también es de principios del siglo xviii, y significa para estafar o hacer el ridículo.

En la película Mr. Deeds Goes to Town, Mr. Deeds menciona que doodle fue una palabra inventada para describir garabatos para ayudar a una persona que piensa.


Beneficios probados del doodle art

La  Revista de Salud Mental y Conducta Humana, en su edición de enero-junio de 2016, nos dice que una de las primeras investigaciones sobre el garabato se realizó en 1938 por Maclay et al., quienes evaluaron 9000 garabatos enviados por el público en respuesta a un concurso organizado por el periódico Evening Standard. Los autores descubrieron que los garabatos solían producirse durante estados de aburrimiento, ocio o tensión afectiva (debido a la indecisión, impaciencia, ansiedad, etc.). Sin embargo, los garabatos producidos en otras situaciones (por ejemplo, al resolver problemas matemáticos o al generar nuevas obras literarias, musicales o de diseño) resultaron en un mayor nivel de creatividad en esas personas. Por lo tanto, se propuso que, si bien para algunas personas garabatear podría ser crucial para la creatividad, para otras podría ser simplemente un acto que evoca una sensación de diversión o tranquilidad

En las últimas tres décadas, se ha acumulado evidencia que implica la participación de una red neuronal anatómicamente distinta, activa durante el acto de dibujar. Esta red incluye el lóbulo temporal medial, el lóbulo prefrontal medial y la corteza cingulada posterior, y por lo tanto se cree que es similar a la responsable de la memoria a corto plazo (o memoria de trabajo) del cerebro.


Si bien garabatear se ha asociado tradicionalmente con la falta de atención hacia la tarea en curso (p. ej., una clase magistral), algunos estudios han demostrado que, en realidad, mejora la capacidad de recordar. Un estudio reciente investigó el acto de garabatear en un grupo de 34 estudiantes universitarios de pregrado. Este estudio promulgó el efecto beneficioso de garabatear en la mejora de la atención hacia una tarea en curso. 

Conclusión, el doodle art, o el arte de garabatear es  digno de conocerse y ponerse a la práctica.

Doodle art textil

Bordado  de garabatos sobre tejido de punto. (imagen de Pinterest)

El "doodle art textil" consiste en aplicar diseños de garabatos o doodles sobre superficies de tela, como prendas de vestir, cortinas o tapices. Se trata de una forma de expresar la creatividad llenando la tela con pequeños dibujos, figuras, patrones o incluso letras, utilizando técnicas de dibujo y/o transferencia para transferir los diseños y luego aplicar diferentes técnicas definitivas sobre el tejido.
Se pueden aplicar las mas variadas técnicas, desde dibujo directo sobre la tela con marcadores especiales, dibujo con bolígrafo  para luego pintar con pinceles , pintura directa, bordado, costura a mano o a máquina siguiendo la imaginación y la inspiración momentánea. Es asunto aquí es la improvisación y dejarse llevar por el momento. La mente creativa nos guíará.

Qué se puede lograr con el doodle art textil:

  • Personalizar prendas: 
Puedes diseñar camisetas, chaquetas o bolsos únicos. 
  • Decorar tu hogar o comercio : 
El arte de los doodles se puede aplicar a cortinas, cojines, papeles pintados y otros textiles para el hogar, transformando un espacio en un santuario personal y acogedor. 
  • Expresión artística:
 Es una forma de dar rienda suelta a tu creatividad sin reglas estrictas, convirtiendo cada trazo en una expresión artística única. 

Autores y libros que nos acercan al Arte Doodle


Una autora que me parece interesante para recomendar , porque la sigo y he aprendido mucho de ella, es  Aimee Ray. Aimee  es una bordadora y artista visual que  demostró que dibujar ya no es solo para papel y que el doodle puede ser un recurso para hacer volar la imaginación mediante aguija e hilo. En sus libros Aimee, aplica su irresistible arte en diversas técnicas y estilos de bordado.

Su libro "Bordado de garabatos: bordado y más allá: técnicas tradicionales con un toque fresco y divertido" puede ser un ayudante ideal si quieres aplicar ,  Este libro se puede comprar en Amazon , en idioma inglés, junto con otros de la misma autora. y también puede conseguirse una versión en pdf en forma gratuita  aquí .



Portada del libro "Doodle Stitching, Embrodery & Beyond" de Aimee Ray

Presentación del libro "Doodle Stitching, Embrodery & Beyond" de Aimee Ray

Página dedicada al Sahiko & Sisha, del libro "Doodle Stitching, Embrodery & Beyond" de Aimee Ray

Cutworl & Stumpwork del libro "Doodle Stitching, Embrodery & Beyond" de Aimee Ray

Los libros de Aimee nos dicen que no se necesitan patrones complicados para enriquecer un lienzo en blanco, para personalizar una prenda o realizar un lindo tapiz, solo son las ganas y ponerse frente al papel para planificar y frente a la tela para realizar el trabajo. 


La artista textil, Paula Kovarik, dialoga con los elementos mediante sus puntadas y garabatos ceando piezas de gran valor artístico. Otra prueba de que desde lo más simple puede surgir una joya.

Paula Kovarik, artista textil, que utiliza la improvisasión y el doodle art en su obra.


Paula Kovarik, artista textil, que utiliza la improvisasión y el doodle art en su obra.

"¿Qué formas te encuentras repitiendo? ¿Te tranquilizan? ¿O te aumentan la tensión? Además de espirales, repito formas de huevo, escaleras, antenas, bocas abiertas y flechas. ¿Por qué? No estoy seguro. A veces aparecen sin que las planee. Creo que eso es parte del misterio de dejar que el hilo te diga adónde ir."




Por otra parte, en  la tienda de libros de Fashion Room, podemos encontrar Doodle Art Textile vol.1 (Arte textil garabato vol. 1), un libro de ilustraciones de arte textil, al estilo doodle, especialmente en blanco y negro y con distintas temáticas, desde  los diseños japoneses, paisajes,   hasta las ciudades más famosas,  flores y animales.

"Doodle Art" se compone de áreas definidas por líneas marcadas por signos, geometrías y patrones en lugar de colores y se ha vuelto visualmente tan fuerte y reconocible como para convertirse en un estilo preciso y esto aumenta las posibilidades abriendo nuevos mundos en el campo tanto de los textiles como de la decoración de interiores. 


En el área comercial,  el Doodle Art, se viene aplicando con éxito, tanto que la famosa empresa italiana Vladila, ha agregado a su colección algunos patrones doodle, en telas para tapicería y confección como en wallpapers,  para denotar  que el doodle  es un diseño que también eligen los exquisitos. 




Es imprescindible mencionar al archi conocido artista del garabato, SamCox, también llamado Mr Doodle, destacado por llenar todo espacio en blanco, que encuentra a su paso, con sus doodles. 
Ha dibujado garabatos en blanco y negro sobre toda su mansión y en una nota para la BBC, expresó que su sueño es llenarla competamente de ellos, aunque pareciera que ya está llena ...
Mr &Mss Doodle frente a su mansión . créditos BBC





Fuentes y Referencias:
Google.com
wikipedia
Pinterest
http://aimeeray.com/
https://www.paulakovarik.com/
Fashion room
https://mrdoodle.com/


sábado, 16 de agosto de 2025

Diseño de bandanas para sublimar


Estos diseños de bandanas los creé  hace un tiempo con caracteres de fuentes que tenía desde hace un montón de años. Como no los he usado en todos estos años, decidí regalarlos.
 Son libres para bajar, modificar  y usar.
Ah! como no tienen una buena resolución, no son aptos para proyectos grandes.
De todas formas pueden usarlos como patrón repetitivo o como centro de un pañuelo o bandana.

Disfruten!!!








 

¿Qué significa diseñar?

¿Qué significa diseñar?

Diseñar es un proceso de planificación creativa de objetos, procedimientos o sistemas para satisfacer necesidades estéticas y funcionales, especialmente en el contexto de las artes, la ingeniería, la industria, la arquitectura y la comunicación, entre muchas otras disciplinas y áreas del conocimiento

El diseño es un proceso que implica la exploración de ideas, la creación de prototipos y la evaluación de soluciones.

El diseño juega un papel crucial en la sociedad actual, ayudando a resolver problemas, mejorar la experiencia del usuario y comunicar ideas de manera efectiva. 

En resumen, el diseño es una disciplina que combina  creatividad, funcionalidad y  comunicación para crear soluciones que impactan en nuestro entorno y en la forma en que interactuamos con él. (1)

Etapas del diseño

El diseño emplea la creatividad y la enfoca hacia aspectos pragmáticos, con el propósito de ofrecer soluciones a demandas específicas. Es un conjunto de saberes que se sirven de la geometría, la aritmética, la lógica, la ilustración, el mercadeo, la sociología, la informática y otras disciplinas para conceptualizar un objeto o un sistema.

El proceso de diseño comprende las siguientes etapas:

Observación. Es la etapa en la que se definen el objetivo, los propósitos y las necesidades o los problemas que el diseño debe resolver.
Investigación. Es la etapa en la que el diseñador recopila la mayor cantidad posible de información acerca del objeto o procedimiento que se busca implementar y sus usuarios o destinatarios.
Análisis. Es la etapa en la que se estudian los resultados de la investigación para identificar ventajas y desafíos.
Planificación y proyección. Es la etapa en la que se proponen y desarrollan propuestas para solucionar las necesidades o los problemas detectados en la primera etapa.
Construcción y ejecución. Es la etapa final, en la que se selecciona la mejor propuesta para ser puesta a prueba y se ejecuta.

Tipos de diseño

En función del propósito que persigue y del ámbito en el que se aplique, el diseño se clasifica en diferentes tipos. Entre los más destacados, se cuentan el diseño gráfico, el diseño industrial, el diseño arquitectónico y el diseño  textil y de moda.(1)


¿Qué es el diseño textil?


El diseño textil, o diseño de telas, es un proceso de creación y manipulación de telas para lograr una apariencia, estructura y funcionalidad deseadas. Este campo amplio y dinámico combina la visión artística con la experiencia técnica, lo que da como resultado textiles que no solo cautivan la mirada sino que también cumplen diversas funciones en la moda, la decoración del hogar y más.

El diseño textil explora conceptos estéticos y traduce ideas en procesos prácticos de fabricación. Su proceso abarca desde la selección de materias primas hasta la transformación de fibras en productos terminados, incorporando elementos de diversas disciplinas, incluido el diseño de interiores y las artes visuales. Desde telas estampadas llamativas hasta patrones intrincados, el diseño textil invita a infinitas oportunidades para la creatividad y la expresión personal. Desempeña un papel fundamental en la identidad de marca de las marcas de moda, donde los estampados y diseños de superficies únicos son esenciales para destacar en un mercado competitivo.

¿Qué es un diseñador textil?

Un diseñador textil es un profesional creativo que se dedica a crear telas únicas que responden a las tendencias del mercado y a las preferencias de los consumidores. Incorpora un toque artístico a la producción técnica y colabora estrechamente con los fabricantes para transformar sus visiones en textiles tangibles.

En general, el trabajo de un diseñador textil implica investigación de mercado, diseño conceptual, selección de materiales y refinamiento de patrones antes de finalizar los diseños para la producción. Los diseñadores textiles exploran una variedad de técnicas, que incluyen tejido, impresión y teñido, para obtener telas, que no sólo sean visualmente atractivos sino también funcionalmente útiles.

A través de su trabajo, exploran la interacción de hilos, colores, patrones y texturas, utilizando su ingenio para desarrollar diseños distintivos que resuenan tanto en la moda como en los espacios interiores. Como actores clave en la industria textil, los diseñadores contribuyen significativamente a la evolución de las telas, enriqueciendo nuestras experiencias cotidianas con sus creaciones innovadoras. (3)

Arte textil, desde la historia hasta hoy, una forma de diseñar y vestir la vida

El arte textil es una de las formas de artesanía más antiguas que se conocen. El tejido existe desde hace decenas de miles de años y, sin embargo, nuevos artistas siguen reinventando el medio, aportando nuevos materiales, aplicaciones y estética a sus creaciones textiles. Tejer es sólo una forma de arte textil. Muchos artistas textiles utilizan prácticas como la serigrafía o la reutilización de materiales encontrados, bordado y mucho más. (2)


Técnicas populares de diseño textil/manipulación de tejidos

Jacquard 
El jacquard es una de las técnicas de tejido textil más antiguas, en la que los hilos se entrelazan para crear telas estampadas y texturizadas. Permite una amplia gama de texturas y patrones, desde diseños simples hasta complejos. Esta técnica es muy popular en la confección de prendas. Telas caras de patrones intrincados, lo que los convierte en una opción opulenta y duradera.



Tejido de punto
El tejido consiste en entrelazar bucles de hilo para crear una tela elástica y flexible, con una gran variedad de diseños de patrones y efectos de superficie. Esta técnica es popular para prendas y accesorios, ya que ofrece calidez y comodidad.







Impresión digital
La impresión digital ha transformado la industria textil, permitiendo impresiones detalladas y de alta calidad en una variedad de telas. Esta técnica permite la personalización y la capacidad de producir tiradas cortas sin aumentos significativos de costos. Los diseñadores pueden experimentar con colores vivos, degradados e imágenes complejas, lo que la convierte en una opción interesante para el diseño textil contemporáneo.


Impresión a mano/Dibujo a mano
Aunque ya estamos en la era digital e industrial, la impresión y el dibujo a mano para textiles han logrado hacerse un hueco. Infunden a los textiles un toque personal y un sentido de artesanía. Técnicas como la estampación en bloque, la serigrafía y la pintura a mano permiten crear piezas únicas. Estos enfoques artesanales enfatizan la devoción y la creatividad, y atraen a los consumidores que buscan individualidad en sus textiles.



Aplicado
El aplique es una manipulación típica de los tejidos que consiste en coser trozos de tela sobre otros para crear patrones o diseños. Esta técnica decorativa añade profundidad y textura a los tejidos, lo que permite realizar diseños llamativos con capas creativas. Se puede utilizar en diversas aplicaciones, desde ropa hasta decoración del hogar, y realza el interés visual de la tela.




Acolchado 
El acolchado, también llamado patchwork, piecine o sashiko, combina varias capas de tela con relleno entre ellas para crear tejidos cálidos y con textura. Esta técnica no solo mejora la retención del calor, sino que también añade expresión artística a través de patrones de costura intrincados. Los tejidos acolchados son populares en ropa de cama, tapicería y accesorios, ya que combinan funcionalidad con diseño.





Bordado
El bordado es una técnica atemporal que añade diseños intrincados mediante aguja e hilo. Enriquece los textiles con textura y patrón, mejorando su interés visual y atractivo estético. Si bien el bordado a máquina industrial es común para la producción a gran escala, el bordado a mano sigue siendo apreciado por sus habilidades sofisticadas y su toque exquisito. Este método tradicional da lugar a diseños únicos y detallados que pueden realzar cualquier tela.



Por las dudas...


¿Qué es el diseño de superficies?
El diseño de superficies es una obra de arte que se puede aplicar literalmente a una superficie, incluidos los textiles, los papeles, los muebles y los edificios. En el diseño textil, el diseño de superficies es una parte inseparable que determina en gran medida la apariencia de los textiles.

¿Cuál es la diferencia entre diseño de moda y diseño textil?
Tanto el diseño de moda como el diseño textil crean productos a partir de textiles, pero tienen algunas diferencias. En el caso anterior, cada uno pone un enfoque diferente en su trabajo. 

El diseño de moda se centra en el efecto general de combinación de color, estilo, silueta y más, mientras que el diseño textil se concentra en la tela en sí. 
En segundo lugar, suelen tener diferentes direcciones de diseño. 
El diseño de moda es una opción ideal de autoexpresión que puede comunicar personalidad, estado de ánimo y estatus social. Por lo tanto, los diseñadores primero consideran las declaraciones que los clientes desean o con las que resuenan. 
El resultado del diseño textil se usa comúnmente en muchas industrias, incluida la moda, la decoración del hogar y el transporte. Por lo tanto, los diseños textiles atienden principalmente tanto a las necesidades del mercado como a las preferencias de los clientes. 
Por último, los diseñadores de moda siempre utilizan telas creadas por diseñadores textiles como materia prima. (3)


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(1)https://concepto.de/diseno/

(1.a) Visión general creada por IA (Google. com)

(2) https://www.format.com/es/magazine/features/art/textile-portfolio-roundup

(3)https://es.sino-silk.com/textile-design/